La Idea. ‘VERNACŬLUS’

El Arte es la única cosa que resiste a la muerte

André Malraux

LA ANÉCDOTA

"A Puncto ad Punctum"
“A Puncto ad punctum”

Llevaba semanas, días, buscando una idea, y varias parecían responder, al menos a un nivel aceptable, a mis expectativas creativas; sin embargo, algo me decía que no era suficiente, y de repente el 25 de abril, de 2013, me levanté de la cama con una ‘Idea Nueva’.

Permanezco quieta durante un tiempo. No sabría especifica por cuanto tiempo, al estar aún entre el sueño y la vigilia, dándole vueltas a esta Idea. Me ha desvelado y permanezco tumbada en la cama, absorta en ella, y con los ojos abiertos como platos.

Es una Idea sencilla, nada pretenciosa. Es un elemento de todos, de todas. Lo que me seduce de esta Idea no es su aspecto, o su forma, sino ‘Su Concepto’, el discurso que propone.

Para expresarme, no elijo un modo o forma de alta cultura –como oiría definir a ese conocimiento al que sólo se accede desde la Universidad-, sino que más bien, me valgo de elementos populares, fácilmente identificables, ayudado de medios cómodos y asequibles para el ‘gran público’.  

Ahora estos elementos pertenecen a esa vanidosa ‘Alta Cultura’.

Pero para explicar mi idea debo remontarme al 5 de abril de 2013, sábado, 09:37 a.m.

Disculpa que, en lo que sigue, traduzca entre paréntesis (ya entenderás por qué te digo esto), seguro que no lo necesitas, pero no puedo evitar las aclaraciones (es cuestión de forma), y es que dicen que Lo cortés no quita lo valiente (refrán popular).

Y paso a relatar:

Como muchos otros sábados, iba camino de Córdoba en tren, y sentí la necesidad de expresar mi afecto a quienes vi el día que nací.

Me habían dado un desayuno divertido, con tertulia y todo, además de recurrente.

Así que envié a mi padre, dirigido también a mi madre, un msn (mensaje de texto enviado con un teléfono móvil, un PC desde una plataforma de comunicación, etc.) de agradecimiento por ese desayuno amoroso que me habían regalado.

Mandarlo a mi padre fué xq (porque) sabía que mi madre no iba a leerlo y, por tanto, era + (más) probable que lo leyesen si se lo enviaba a él.

Con el mensaje, pretendía expresar mi agradecimiento por ese buen rato, al que le siguió una respuesta, devolviendo el agradecimiento.

¿Qué podía decir a esto? ¿Cómo expresar mi agrado, cariño, afecto? Eso que se llama ‘Emociones’, y que sólo parece poder expresarse presencialmente, con el ‘face to face’, si se trata de inmediatez.

Les envié un ‘Emoticono’, o mejor dicho lo que desde el texto se Interpreta como un emoticono, pues lo que les llegó en pantalla fue  : ), que representa   🙂  , que significa Sonrisa.

Entonces mi padre me envió: ¿…? (No Entiendo). Habría bastado con un: ? (I don´t Know, que en español significa, No Entiendo), pero él estudió francés.

De repente vi la diferencia generacional, y me sorprendió que no entendiese mi mensaje, considerando que él es un hombre de mundo, y que usa y conoce sobradamente las denominadas ‘Tecnologías de la Comunicación’. Hoy no habría ocurrido así, téngase en cuenta que hoy hasta los ermitaños saben identificar estos mensajes, pero hablamos de 2013, y aunque sólo han pasado 5 años, los cambios en los modos de comunicación son extraordinariamente significativos.

Pero volviendo al momento descrito, fue entonces cuando recordé la teoría de Vygotsky sobre lenguaje y pensamiento, pensé en la Semiótica, pensé en la relación entre imagen, lenguaje, pensamiento, … Pensé en el Fenómeno Emoticonos.

Hemos incorporado un lenguaje nuevo y globalizado, llamémosle ‘un Lenguaje Universal’ para expresar emociones de un modo inmediato, pero me interesa aún más, el hecho de que en ocasiones se envía o recibe en lenguaje escrito y dispuesto en un sentido diferente a como debería usarse cuando, por ejemplo, colocamos los dos puntos en sentido vertical y lo procesamos como unos ojos en sentido horizontal.

Transformamos elementos ortográficos o numéricos, en imágenes emocionales.  

Lo recibimos, lo procesamos y entonces vemos otra cosa, que no está materialmente en el mensaje, (en el grafismo), sino en nuestro imaginario. Una cara con una expresión emocional.

Me lleva a pensar en nuestro primer contacto con la realidad cuando nacemos. Lo primero que identificamos es el rostro materno, en realidad cualquier rostro humano nos atrae y en esos primeros contactos con la realidad, nos produce una sensación positiva (son un estímulo que nos motiva a dar una respuesta positiva) todas aquellas formas que se asemejan al rostro.

Sin divagar más en la cuestión, y volviendo al momento en el que mi padre identificaba el mensaje de texto : ) como un absurdo lingüístico, no tuve menos que aclararle con otro mensaje, pero este último escrito de forma clara y entendible, siguiendo las reglas gramaticales básicas de nuestra lengua oficial:

«Es una sonrisa. Besos»

Debo decir, en honor a la verdad, que su siguiente respuesta me sorprendió gratamente y confirmó que se trata de un hombre inteligentísimo, y dirás, claro lo dices porque es tu padre.

Pues bien, en su mente vio la imagen, vio , sino por qué otra razón habría respondido con la siguiente frase:

«Cuando se pregunta siempre se aprende arte».

MEMORIA SOBRE EL DESARROLLO DE ‘LA IDEA’

  1. Título:

‘Vernacŭlus’ (en castellano, vernácula. Traducción literal: ‘nacido en la casa de uno’)

  1. Descripción:

La Obra está constituida por 13 elementos:

  • Un Planteamiento Gráfico sobre tabla, desarrollado a partir con luminarias y sistema de interruptor: ‘A Puncto Ad Punctum’ (en latín Punto Contra Punto)
  • Doce Planteamientos Gráficos sobre cartulina Negra, empleando para ello tinta plateada y tinta dorada:
  1. RISUS (risa, en latín) :-X
  2. FELICĬTAS (felicidad, en latín) 🙂
  3. ALLUCINĀRI (alucinar, en latín) 😮
  4. FABULĀRI (hablar, en latín) 😀
  5. PENSĀRE (pensar, en latín) :-7
  6. CINNUS (guiño que se hace con los ojos, en latín) 😉
  7. BAGATELAS (burla, en latín) :-p
  8. INTERESSE (interés, en latín) 😎
  9. AMOR (amor, en latín)
  10. MUTUS (mudo, en latín) :-I
  11. INODIĀRE (enojar, en latín vulgar) :-[
  12. PERCONTĀRI (preguntar, en latín) 😕
  1. Materiales:
  • Nueve Pilotos para cuadros eléctricos. De color rojo, que se usan para indicar alarma, advertencia o peligro.
  • Vinilo adhesivo negro (40 x 35 cm). Para representar una pantalla de un PC (Personal Computer)
  • Un interruptor unipolar de bola, de corte. En On, sería hacer referencia a un Bon à Tirer, en grabado.
  • Un panel de madera de ocume (40 x 35 cm), empleado en xilografía para las matrices de los grabados.
  • Tinta Plateada para firmar la pieza y titularla, tal como se hace con los grabados.
  • Para la instalación de las luminarias: 1 metro de cable de cobre (0.4 mm de sección) y un enchufe (ficha de empalme).
  • Para las piezas en Cartulina: 12 Cartulinas negra, tamaño A-4 (180 gr) y tinta dorada.
  1. Sobre los nombres en latín:

Denominarla en latín, es un recurso que suelo emplear en mi trabajo.  Tiene mucho que ver con las connotaciones que tiene el uso del latín y que se relacionan con el discurso de mi planteamiento, con el origen de la palabra Vernacŭlus, con el empleo del latín y su conocimiento, con el origen del latín en el Antiguo Imperio Romano, con el uso de esta lengua por la Iglesia Cristiana.

  1. Sobre la forma que adopta:

Pretende emular a los grabados tradicionales.

  1. Preguntas en el aire

¿Será que estamos retornando a la primigenia?

¿El futuro del lenguaje escrito será ser suplantado por el lenguaje iconográfico?

¿Será qué, como bien apuntó André Malraux, «El Arte es la única cosa que resiste a la muerte»?

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EN UN MISMO ESPACIO – EN UN MISMO TIEMPO

Ya estamos a domingo -cómo pasan las semanas- y pensar que un día tal como el de hoy, de la semana anterior, daba fin a ARCO Madrid 2018 . Feria que nació con la intención de poner en contacto a galerías, artistas y coleccionistas.

Ofrecer un enorme escaparate donde exponer la oferta artística que abarcase desde las vanguardias históricas al arte más contemporáneo, con ese denominado “arte emergente”.

EN UN MISMO ESPACIO Y EN UN MISMO TIIEMPOConsulto en Google y este me remite a Wikipedia -aunque podría ir a fuentes más exhaustivas, me interesa la visión que se da desde aquí- te cuentan que la primera edición se celebró en 1982 y que fue organizada por la galerista Juana de Aizpuru, en medio de la movida madrileña. «Un total de 264 artistas de 14 países se reunieron en Madrid, así hasta convertir esta Feria del Arte en uno de los epicentros del arte europeo y latinoamericano. En aquella ocasión se celebró en el Palacio de Exposiciones de IFEMA, que en ese momento se situaba en el Paseo de la Castellana, que decoraron con la obra de Mondrian.

Y allí mismo, compartiendo espacio-tiempo, al fondo la imagen congelada y difusa de Juana de Aizpuru, enorme “influencer” del Arte Contemporáneo, una de las mujeres más excéntricas y poderosas del panorama actual en nuestro país.

“Siendo justo, el justo pago”, ¿qué precio se puede fijar a la emoción? ¿al placer? ¿a la filantropía?, es por esto, que me muevo en un mar de contradicciones porque, el arte como ese “algo” excepcional, que puede estar al margen de todo y al margen de nada, ese “eterno”, cuyo lugar impreciso le confiere la libertad de hacer, rehacer, deshacer y volverse para ser, tiene un precio fijado en un catálogo.

Y seamos honestos, ¿a quién le amarga un dulce? Porque, aunque “contigo, pan y cebolla”, “donde no hay olla, todo se vuelve riña” o también podría aplicarse el anónimo, “Amor no se echa a la olla sino manteca y cebolla”.

En fin, que las artistas también tenemos que comer.

HABLAMOS DE RÍTMICA

HABLAMOS DE RÍTMICA

Desde el martes 7 de marzo hasta el 26 de marzo de 2017, estará expuesta al público esta exposición que lleva por título “Rítmica”. Una muestra de pintura, grabado y fotografía.

La cuestión del tiempo y del espacio, así como de la huella que dejamos en esos espacios que una vez fueron ocupados serán algunas de las cuestiones que queden subyacentes en la piezas mostradas.

Partiendo de la idea de que Rítmica (adjetivo femenino que deriva del latín rhythmĭcus, y este del griego ῥυθμικός rythmikós) alude a Ritmo, interesa recordar como la define la Real Academia Española, cuando recoge lo siguiente:

  1. Orden acompasado en la sucesión o acaecimiento de las cosas.
  2. Sensación perceptiva producida por la combinación y sucesión regular de sílabas, acentos y pausas en el enunciado, especialmente en el de carácter poético.
  3. En relación a la Música, de la proporción guardada entre los acentos, pausas y repeticiones de diversa duración en una composición musical.

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Interesa la relación de esta palabra con el verbo Fluir, así es como en un espacio ocupado por estas obras que se muestran, cada escena marca el ritmo. Se podría decir que el tiempo transcurre implacable. Tiempo a veces detenido en un instante de recuerdos que nos lleva a espacios secretos del alma. Un viaje en tren, alegoría del fluir de la vida. Y en ese viaje, existe el encuentro entre lo real y lo irreal, entre el sueño y la vigilia, entre el pensamiento y la acción.

Desde este planteamiento el elemento artístico se transforma en elemento de encuentro de miradas que no se quedan en lo que a golpe de vista muestra, de lecturas de lo no visible o de invisible.

En este sentido, el arte es lo que ocupa, lo que preocupa, el elemento artístico con sus distintas lecturas, con sus infinitas miradas, que no es sólo lo que se ve.

La música, esa forma de comunicación, de expresión artística, de lenguaje de “lo invisible”, quizás el más universal, nos brinda posibilidades de representar esos espacios invisibles, esas otras miradas.

Cuatro puntos de interés conviene destacar, ya que estos serán los que den forma a la muestra que aunque abierta a interpretaciones distintas dependiendo de la subjetividad de quien mira, se define por conceptos como Ritmo-Movimiento, Espacio-Tiempo, Percepción-Conciencia, Música-Silencio.

El primer punto de interés lo marca el título que se da a la muestra, que como adjetivo femenino que acompaña a un nombre propio o sustantivo alude directamente al concepto de Ritmo y movimiento.

El espacio-tiempo, nos sirve como excusa para hablar de ritmo, a veces detenido a veces continuo.

Estímulos que llegan a través de los sentidos, rememoran momentos ya pasados que sin esperarlo nos asaltan y nos lleva a revivir emociones que de algún modo siguen perviviendo, “acalladas” en nuestro interior, en nuestra memoria sensitiva. La música, como “el alma” invisible, como el pensamiento silencioso.

En la muestra se exponen, entre otras obras, 24 fotografías en papel japonés Mitsumata, en pequeño formato de las que interesa reseñas que la captura de imágenes es una de las cuestiones de interés. Esta no es llevada a cabo de un modo seriado sino más bien, a través de la captura aleatoria de imágenes con significado poético, con una correlación en tiempo y espacio recorrido. Busca construir una narración poética, en base a pequeñas experiencias sensitivas expresadas a través de “lo visual”.  Este aspecto justifica su carácter experimental. Las imágenes son tomadas desde la ventanilla de un tren en movimiento, pasa por alto lo más evidente, la imagen que a golpe de vista se impone, y se detiene en los reflejos  que unas veces hablan del interior del vagón, otras del exterior contrario, y otras del encuentro de exterior e interior. Así el énfasis puesto en la mirada subjetiva que distingue una imágenes de otras aún hablando de espacios y tiempos compartidos.

Seguramente, cuando miramos por una ventanilla de un tren pasan inadvertidas aquellas imágenes reflejadas, ni tan siquiera las vemos aunque estemos mirando sobre ellas. Nuestra atención las traspasa y se dirige a lo que se ve en el exterior del tren.

Esto será uno de los aspectos de mayor interés de la muestra, nuestra percepción humana de las realidades circundantes que ya las distintas teorías sobre Percepción visual y Espacial, tratan al abordar aquellos fenómenos relacionados con esta cuestión de la percepción mediatizada biológica, social y culturalmente.

Es fácil, traer al recuerdo la mítica Caverna de Platón, en la que se hablaba de hombres que sólo veían sombras proyectadas en una pared por su imposibilidad de movimiento y este era su conocimiento de la realidad circundante. Así movimiento, ritmo, percepción, visibles e invisibles, son conceptos entrelazados y que en esta muestran hablan desde la subjetividad, desde una mirada intima, detenida en el silencio del instante y siguiendo las pulsiones del alma que sin embargo marca el ritmo.

La música presente en otro conjunto de obras mostradas que llevan por título Tacet  pretende traer a la conciencia el elemento musical de la muestra.  Así Tacet ( “él o ella calla”, “él o ella queda en silencio”), término utilizado en notación musical se utiliza para indicar que la persona intérprete de un instrumento o voz no debe sonar, no tiene intervención durante un tiempo.

En 1952, la pieza 4’33” de John Cage constituyó una muestra única del uso de esta notación. En la partitura de esta obra se indica tacet en los tres movimientos para todos los instrumentos. La pieza tiene una duración total de 4 minutos y 33 segundos, en los que en realidad no se interpreta una sola nota.

Con “Ciudad Prohibida” se hace notar la presencia de alguien que desde una ventana observa el paso de las nubes. No se saben a dónde irán, ni de dónde vendrán, más este pueblo permanece en su mismo lugar. Como un árbol centenario o quizás como una roca inerte. No se sabe si está habitado o sólo existen sombras que observan desde sus ventanas el tránsito de las nubes. Es una imagen quieta, parece inmóvil, donde se registran viejas casas, vegetación indomable y el aire, el cielo.

Otra de las piezas claves será “El Estanque”,  conectando pensamiento, tiempo, espacio con la cuestión del Arte, de la creación, del “Ser Artista”. Con presencia del elemento simbólico de la Manzana, pieza central, con la que se podría estar hablando del Paraíso Perdido, del Jardín de las Hespérides. También podríamos estar hablando del Juicio de Paris aunque en este se represente a una manzana de oro. Incluso podría tratarse de la carrera de Atalanta recogiendo manzanas. O quizá se trate de una de las manzanas que portan las tres carites que acompañan a Venus. Así la Manzana, como prefiguración del conocimiento, relacionada con la vida y con la muerte, con el tiempo, con el espacio.  Desde aquí la postura, más cercana a Oriente en cuanto al sentido del ritmo que sigue el tiempo, como un continuum, un Eterno Retorno.

En resumen, podemos hablar de espacio a veces móvil, espacio a veces quieto. Desde donde se observan cambios de claro a oscuro, de oscuros a claros. Estos cambios de luces afecta a como se iluminan el paisaje, la escena sobre los que se proyectan las luces y sombras. Predomina la expresividad del exterior frente a un interior que nos habla de intimidad. La mirada del pensamiento de quien observa el devenir del tiempo.

Imágenes alegóricas del concepto tiempo, que aun invisible camina veloz. El tiempo, también a veces detenido, silencioso, vacío. Los cambios de luces nos indican el paso del tiempo, el “Ritmo” de la vida. Lo que parecía blanco ahora es añil, y luego ocre y luego gris, y así es como la realidad va cambiando cada segundo, haciendo ver que nada es lo que parece y que todo es efímero y cambiante.

Un guiño a la obra de John Cage no pasa desapercibida. Y tal como diría Mircea Eliade (Imágenes y símbolos, 1999), «traducir una Imagen a una terminología concreta, reduciéndola a uno solo de sus planos de referencia, es peor que mutilarla, es aniquilarla, anularla en cuanto instrumento de conocimiento» . Porque el arte, desde aquí no sólo se entiende como instrumento de goce o placer, sino como instrumento comunicador e incitador del pensamiento consciente. Entendiéndose en su papel de medio para la búsqueda de respuestas donde se producen encuentros, visiones de futuro, de pasado y conciencia de presente.

C-´2-´)

Ceres Adriana García-Baquero Velasco

Por qué cuando sueñas no miras al cielo?

Why don’t you look up to the sky while you dreams?

ARREGLADA
“Somnus”